Re y el reflejo de prácticas socioculturales
a través de sus letras
Por Edgar Saúl Salas Ramírez
El lenguaje es utilizado en su
mayoría para comunicar, siempre y cuando el contexto en el que se desarrolle lo
permita. Tanto su uso como sus prácticas han cambiado con el paso del tiempo,
según sean las necesidades de quien lo utiliza; es entonces cuando las bandas
de rock alternativo lo utilizan para reflejar su cultura, para relatar
experiencias culturales propias de los intérpretes del género.
Café Tacvba es una banda mexicana
de Ciudad Satélite, que tiene sus orígenes desde 1989, cuya identidad está en
manos del género del rock alternativo. Tras el exitoso lanzamiento de su primer
álbum “Café Tacuba” (1989) la banda haría uso de las letras del álbum “Re”
(1994) para reflejar su lenguaje y prácticas socioculturales derivadas del
contexto en el que surgió.
Es así como parte el rumbo de la
investigación haciendo uso de entrevistas a la banda acerca del álbum y cómo
recibieron el disco algunos de los oyentes de la época, pues no todos los escuchas
activos del género lo recibirían de la misma forma que el primero. “Cuando
finalmente salió al público en un principio no fue bien recibido porque sonaba
extraño, y sobre todo porque venía cargando la imagen que la mayoría tenía del
Café Tacvba, como una curiosidad pasajera”. (Esparza, 2014)
Es justo decir que hasta nuestros
días el nombre de la banda sigue teniendo un poder inimaginable, pues se ha
considerado a Café Tacvba como una de las bandas qué siempre logra
reinventarse, así lo dice Rubén Albarrán, el vocalista de la banda y uno de los
más importantes dentro del género del Rock: “En este caso buscamos crear, poner
letras que te jalan hacia ritmos diferentes, que es una actividad que nos
divierte”.
Rubén Albarrán. Ilustración 1 Fotografía de Instagram, extraída
del perfil del Vocalista de Café Tacvba. No se cuenta con derechos
de autor.
Café Tacvba es conocido por
escribir canciones que reflejan ese toque de rebeldía y estilo underground, que
mueven masas, característico del rock alternativo; por ello en la elaboración
del disco “Re”, tomaron algunas de las canciones de los años ochenta que serían
adaptadas para que con el paso del tiempo se convirtieran en composiciones
importantes marcando la trayectoria de la banda; nombremos por ejemplo
“Madrugal” y “Esa noche”. Grabado por Gustavo Santaolalla a caballo entre Los
Ángeles (Estados Unidos) y Cuernavaca (México), Re (Warner, 1994) debía cumplir
la difícil misión de responder a las expectativas creadas tras el eficiente
debut homónimo de la banda en 1992, un disco divertido y desenfadado, un disco
que se pasaba entre lo que dura un chasquido de dedos y el pago que le sucedía.
(Hipersónica, 2015, s. p.)
Luego de ser aceptado en toda
Latinoamérica, “Re” había conseguido ser reconocido en la revista Rolling Stone
como una de las bandas que daría un cambio extraordinario a la música del
género alternativo. “El mejor disco de rock latino de todos los tiempos, al
mezclar con gran calidad y de manera exitosa sonidos internacionales de
vanguardia con lo folclórico de la música tradicional mexicana”. (S. A., 2012)
A través de diferentes periodos de
tiempo hemos ubicado al rock alternativo por su amplio contenido lírico, pues,
lo que fue en una época la identidad de un amplio grupo de jóvenes generando un
sentido de pertenencia, en la actualidad es más fácil la comprensión de algunos
de los términos utilizados para referirse a la realidad que atravesaban hacia
1994 los intérpretes de la banda. “El rock no quedó al margen y se manifestó
con canciones cuyas letras fueron cada vez más crudas, reflejo de la sociedad y
la ideología que imperaba en esos momentos”. (Vázquez, 2019)
Musicalmente y a través de su
lírica “Re” es una invitación a conocer una pequeña parte de México, conociendo
tanto sus facetas culturales y sociales, como musicales. Con “Re” buscaban
demostrar que, a pesar de tener preguntas de difícil respuesta en sus canciones
seguían siendo agradables para bailar, aun mostrándose vulnerables por las
inconformidades sociales que aquejan entonces a México. Ideológicamente “Re”,
pretendía formalmente mezclar sonidos de diferentes tonalidades consiguiendo
así una amplia variedad de sonidos y convertirlos en un disco de vocación
universal. (Hipersónica, 2015, s. p.)
Sería justo que a géneros como el
norteño y el ska, fueran concebidos como intergeneracionales, pues aun cuando
la juventud de la época se sentía en total atracción al rock alternativo, Café
Tacvba mezclaría todos estos géneros en un total de 20 composiciones musicales
dentro de “Re”. “Re” es un álbum en el que se mezclaba el mestizaje con la
fusión de la lengua española, con la intención de demostrar una evolución
sonora qué trajo consigo la multiculturalidad que hasta el día de hoy sigue
vigente por su innovación en música y sonidos. Tanto el título del disco como las
letras de las canciones llevan consigo un trasfondo literal que significan más
allá de hacer bailar a los oyentes.
Re es un título completamente
literal y conceptual viene de la preposición re y es una reflexión acerca del
ciclo de la vida humana y de la idea de que el mestizaje musical es un
recorrido circular que vuelve a su punto inicial en una edición rara y limitada
del disco qué salió en México; Rubén Albarrán para una entrevista antigua.
Esta afirmación del intérprete de
la banda hace referencia a la tercera canción del álbum, “el ciclón”; pues en
un fragmento de ésta destaca la frase que dice: “Quiero hacerla un cuadrado,
deformarla en un triángulo, pero la vida siempre vuelve a su forma circular”.
Además, que en partes posteriores alude a Dios como el omnipotente con el poder
del cambio en la vida de las personas, sin embargo, son los hombres quienes se
encargan de enfrentar algunas de sus adversidades: “La única que puede darnos
vueltas es Dios, hay tan pocas flores ya, peces, agua que pensé, que la vuelta
no daría, hoy tu hijo no respira; si el equilibrio es Dios y el equilibrio
murió ¿Qué pasó con Dios?”.
Portada del álbum “Re”. Ilustración 2
Escaneo
de la portada del álbum de Café Tacvba. Elaboración propia.
Dentro de “Re” aparecen en su arte
palabras como repetición, reiteración, reciclaje, resistencia, entre otras;
además de una especie de caligrama en forma de espiral con la leyenda “todo lo
que fue volverá a ser y todo lo que es dejará de ser”, extrayendo esta frase de
un proverbio náhuatl; explica Rubén Albarrán (1994).
En la carátula del disco podemos
apreciar un caracol representativo de las antiguas civilizaciones en México que
podría representar la repetición, mencionada por el vocalista de la banda y que
de hecho existe una relación significativa entre la carátula y la quinceava
canción del álbum, “El tlatoani del barrio”. Quizá porque al principio de la
composición musical podemos apreciar en la letra algunos fragmentos la lengua
indígena náhuatl; esto por esta mezcla entre el mestizaje y la lengua española
mencionada anteriormente: “Haima wayo wangi haim, E Knaw mexa knawan” seguido de
“El tlatoani del barrio, era de la lagunilla”.
Antes de la llegada de los
españoles Moctezuma fue elegido tlatoani entre 1502 y 1503 tras la muerte de
Ahuízotl, su predecesor; es dentro de esta canción Moctezuma como el
protagonista de la historia. Cuando en la canción se escucha “Tenía su pandilla
y su territorio delimitado. Bailaba chachachá y mambo, y el nuevo ritmo del
rock and roll [...] Afamado bailarín que no estaba nada feo. No cantaba mal las
rancheras y con los puños muy hábil era”, está narrando un poco de la vida del
tlatoani a través de un lenguaje actualizado para la época como si se tratase
de la Ciudad de México la ubicación de dicha narración. Pero esto no es todo,
pues con la llegada de los españoles en 1521, Moctezuma vio la grandeza de
Tenochtitlán, y fue este quien vio la decadencia también, debido a los
conflictos armados entre españoles y mexicas que terminaron con el episodio de
la Noche Triste. Es en “Al ver la conveniencia, La Lagunilla y El Señorío de La
Guerrero, Y algún otro reino, formaron la triple alianza que fue temida por la
raza” en la que alude a este evento tan trágico para los europeos, pero de
cierta forma la letra embellece la cruda realidad del hecho.
Enrique Rangel. Ilustración 3 Guitarrista de la banda Café Tacvba. Getty Images. Chávez, 2014.
Así como estas composiciones
existen más dentro del álbum. La banda tenía buenas ideas que podrían ser bien
logradas siempre y cuando el público pudiera entender lo que intentaban
plantear y no solo escucharlas de manera pasiva. Veámoslo en la composición
número cuatro del álbum, “El borrego”. Ésta era más que un solo estilo del
metal, pues pareciera que, en voz de Enrique Rangel, está narrando la vida de
la sociedad mexicana mostrando las diferentes facetas de una persona que no
todos se atreverían a mostrar. “El borrego llama la atención por su tipo de
música punk y metal-industrial, además que su letra es una ironía en primera
persona sobre la poca identidad y promiscuidad ideológica de ciertos jóvenes de
la época”. (Sinaltac, 2014)
“Soy anarquista, soy neonazista,
soy un skinhead y soy ecologista, soy peronista, soy terrorista, capitalista y
también soy pacifista”.
Café Tacvba no era el tipo de banda
con la suficiente preocupación para mostrar la crudeza acerca de un tema, es
así como “El borrego” es una canción con la que no buscaban apartar a su
público, sino convencerlo y exponer a aquellos denominados “borregos” (aquellas
personas en las que no se puede confiar por ser mentirosas y fanfarronas
(MXCity, 2021)), pues no todos los casos las personas se atreverían a mostrar
aquella parte oculta en ellas. “Y en las tocadas la neta es el slam, pero en mi
casa si le meto al tropical”.
“Café Tacvba hablaba de dramas y
alegrías juveniles, y lo hacían uniendo tradición y vanguardia construyendo un
discurso atemporal y comprometido con lo que eran y lo que querían ser”.
(Hipersónica, 2015, s. p.)
Dentro de las composiciones musicales
hay otras que no tienen un sentido tan arraigado a la realidad de la sociedad
mexicana. “Esa noche” es la sexta canción del álbum que es narrada por una
mujer que recientemente terminó con una relación amorosa; “No me hubieras
dejado esa noche, porque esa misma noche encontré un amor. Parecía que estaba
esperando tu momento de partir, parecía haber observado mis momentos junto a
ti”. Aunque algunas composiciones del mismo género en esa época tenían como
tema principal los corazones rotos. “Esa noche” tiene una significación más
profunda, pues está basada en nada más y nada menos que Chavela Vargas, una
cantante de música vernácula. Explica uno de los hermanos Rangel, autor de la
canción:
Cada frase de Chavela era una
enseñanza, una reflexión profunda del tema que estuviera platicando. Lo mejor
era que tenía un sentido del humor muy agudo, nada simple, lo cual ayudaba a
pasarla bien en su presencia; quizá una de las características más
significativas de la canción que serviría cómo inspiración de la banda.
Chavela Vargas.
Ilustración 4. Cantante Chavela Vargas. Fotografía extraída de ANDINA, 2016.
En las letras de las canciones de
la banda hacen uso del lenguaje para reflejar de manera eficaz prácticas socioculturales
del contexto en el que surgió por ejemplo Chavela Vargas, quien a pesar de ser
de Costa Rica se convertiría en un icono dentro de la música ranchera y qué más
adelante sería utilizado como inspiración por bandas como Café Tacvba.
La banda mexicana no sólo tenía
buenas ideas, sino que lograba que todas ellas sonasen creíbles en sus manos;
esto parte de una simple razón. Con “Café Tacvba” recién lanzado, la banda
había planeado una gira que serviría de cierta inspiración a la hora de
elaborar las letras de las canciones de su próximo álbum. En cada uno de los
estados en los que la banda tuvo la oportunidad de estar, entró en contacto
directo con la multiculturalidad de México, resaltando tradición, música e
ideología; “Estaban asombrados de cómo todo esto podía convivir dentro de una
misma sociedad, misma que sería vital en la concepción del disco”. (La
Hemeroteca, 2019) La banda tenía una fascinación del rock, el sincretismo y la
fusión de lo prehispánico con lo moderno, los llevaría a componer canciones y
retratarlos como los jóvenes que eran inmersos en un país diverso, con un nuevo
panorama de los sonidos qué habían absorbido a lo largo de su gira, “fue ese
disco donde los “Cafeta” se dejan ver como roqueros, baladistas, "skateros"
y músicos de banda”. (Orozco, 2017)
Es así como en el décimo tema del
disco "El fin de la infancia", se retoma un poco acerca del género
que abarca está canción y cómo en un periodo de tiempo la banda era un género
respetado y bailado. Café Tacvba brinda un homenaje que anexa sus intenciones,
sus ideales e historias de la conquista; es una forma de diversificar el
contenido del disco. "El fin de la infancia" es a ritmo de banda. “En
esos años, "bailar de caballito" era lo más popular en México que en escena
tenía a La Banda Machos, La Arkangel R-15, Banda El Mexicano y Banda El Recodo,
por mencionar algunas”. (Orozco, 2017) “Desde ahora quiero ser dueño de mis
pasos de baile. Y bailando caballito con la banda cafecitos, ¿Cómo no lo va a
lograr?” se deja escuchar en la composición.
Fue en Sinaloa, en "tierra
culichi" que la banda de rock se encontró con la música de banda, su baile
tan frenético como popular y su ritmo que algunos menosprecian. Café Tacvba
haría una composición musical dejando de lado la música “buchona” como se
denomina allá a estas personas que se encuentran en un estatus mayor, la
mayoría de las veces a base de negocios turbios. En su letra hace un comentario
al Malinchismo y esa polémica que se generaba a través de mirar hacia sonidos
extranjeros; Café Tacvba se encargaría de romper con esa “tradición” generando
un contenido propio de México: “La gente dice que el baile solo es una
diversión y artista extranjero se lleva la comisión. Conquistaré el miedo a
sentirme en la vanguardia sin tener que ir a New York para ver allá qué pasa”.
Así como “El fin de la infancia”,
podemos colocar a “La Ingrata”; una canción con tintes norteños que fue escrita
con inocencia y a manera de broma.
Publicada en el álbum ‘Re’ de 1994,
fue compuesta por el tecladista Emmanuel del Real. Con una fusión entre el
clásico sonido del movimiento ‘Rock en tu idioma’ y la polka asemejando incluso
al corrido norteño, La Ingrata fue un tema que en su momento consiguió un gran
renombre en el público por su atrevido experimento musical. (Alpizar, 2019)
La canción pudo bien haber sido
perfectamente relacionada con el desamor, beber un buen trago o bien, bailar al
ritmo de una buena composición de México. “¡Ingrata! No me digas qué me
quieres, no me digas que me adoras, que me amas; que ya no te creo nada.
¡Ingrata! ¿Qué no ves qué estoy sufriendo?”.
La ingrata es una de las canciones
más memorables dentro del álbum, de hecho, el video de la composición, “fue el
mejor video latinoamericano del año 1995 según los premios del canal de música
MTV y ha integrado distintos listados de las mejores canciones del rock
hispanohablante de la historia”. (BBC Mundo, 2017)
Sin embargo, en 2017, la banda dio
a conocer que no tocaría más el tema, esto porque en la letra original hablaba
de maltratar a una mujer. “El motivo es doloroso, pero desafortunadamente
cierto: la creciente violencia en contra de la mujer en el país se agravó a
pasos agigantados”. (Alpizar, 2019)
Imagen obtenida del video de la canción “La ingrata”. Ilustración 5 Video de “La ingrata”. Elaboración propia.
Su inspiración en los corridos norteños
le da una melodía alegre
y bailable, pero cuando la letra termina diciendo “Por eso tendré que
obsequiarte un par de balazos, pa’ que te duela” es, específicamente en
palabras de un hombre despechado que agrede a una mujer. En la entrevista de La Nación,
citada en BBC News, del Real expone “La canción se basa en el sentido del
humor. La inspiración tiene que ver con los corridos norteños, cuyas letras
muchas veces narran historias que no tienen sentido del humor”. En los aspectos
socioculturales que se desarrolló la banda no estaban tan sensibilizados con el
tema de las agresiones en contra de las mujeres en el interior de México a
diferencia de la actualidad lo que marca una gran diferencia entre época y el
cambio en la realidad con 27 años de diferencia. Rubén Albarrán, vocalista de
la banda, comentó en una entrevista que, eran muy jóvenes cuando el tema se
compuso y no estaban sensibilizados con la problemática como hoy todo el mundo
lo está. Sin embargo, él no está interesado en apoyar ningún tipo de actitud
violenta y aunque mucha gente piense que solo se trata de una canción, esa
cultura hace que ciertas personas se sientan con el poder de dañar a alguien.
Pero como se ha señalado a lo largo
de este artículo de divulgación, la banda y su surgimiento estaban limitados a
la época de las personas que entonces eran jóvenes y de ellos dependía
interpretar la letra de las canciones, no se justifica el hecho de esta letra,
pero sí que en ella se relatan aspectos socioculturales vividos por la banda.
La transmisión a nuevas generaciones de estos gustos por la música de antaño ha
servido en cierta forma para forjar el legado de la banda, pues los jóvenes que
ahora descubren y valoran al “Re” le dan otro significado, le aportan algo
nuevo, lo que ha sucedido con el disco es que se ha vuelto un clásico, pero un
clásico vanguardista que incluso a nosotros nos sigue sorprendiendo y por eso
hay que celebrarlo", destaca Joselo (2017).
Cuando era la época de auge del
disco, la banda se veía en la obligación de hacer presentaciones al aire libre
dentro de la CDMX, pues como bien sabemos al ser originarios de Ciudad Satélite
ubicada en la Ciudad de México sería de buen gusto qué su audiencia
perteneciera a la misma ubicación. Es cierto que no todas las personas de la
época estarían apegadas a la banda, esto por la diferencia de gustos musicales
como principal característica, además del contexto en el que se encontraban
cada una de ellas, aunque el objetivo de la banda era “pegar” en toda la
ciudad.
Existía toda esta “banda” que
seguía la tendencia del rock mexicano como identidad, pues las letras contenían
un amplio contenido lírico en las que relatan aspectos destacables de México,
por ejemplo, era muy común hablar de los estereotipos que las personas creaban,
tanto por moda como por tendencia.
Una vez más Café Tacvba uso las
letras para transmitir mensajes destinadas a toda la “banda” (uso de “banda”
como una abreviación a los seguidores de Café Tacvba); es entonces que
“Chilanga banda” se convierte en un himno y un estado de identidad qué algunas
personas utilizan por sentirse orgullosos de pertenecer a la mismísima Ciudad
de México.
Contiene un estilo icónico de
sonidos que mezclan el ritmo del reggae y el rap, pero que en su letra esconde
la descripción de una sociedad completa; “pachucos, cholos y chundos,
chichinflas y malafachas, acá los chompiras rifan y bailan tibiri tabara”.
López, autor de la canción, retrata
la realidad social en Ciudad de México, y denuncia el abuso de poder y la
corrupción de las autoridades. “No se trata de la victimización del pandillero,
pero sí de la develación de la incoherencia del sistema, cuyas prácticas son
equivalentes a las de la delincuencia”. (Imaginario, s. f.)
Aunque con el paso del tiempo se han
actualizado estos términos, la esencia que en su momento buscó transmitir la
banda es la que embellece aún más el mensaje, y para poder entenderlo es
necesario conocer un poco acerca de las jergas que se usan en México; “Entender
su mensaje y carácter polémico pasa, necesariamente, por comprender la lengua
callejera del mexicano de la capital, es decir, el lenguaje caló. Empecemos por
decir que “Chilanga banda” significa “pandilla mexicana (de Ciudad de México)”.
(Imaginario, s. f.)
Ejemplo de “pachuco”. Ilustración 6 David, coordinador de ruta de microbuses. Cortesía de Ortega, 2016.
Ejemplificamos con la palabra
“pachucos”, las personas que en su momento vivieron en la época, afirman que
ser pachuco, era ser una persona con un estilo único en su vestimenta, pues
hacia el uso de trajes extravagantes y zapatos de charol, que por lo regular no
era tan común verlos dentro de la sociedad.
“Mejor yo me echo una chela y Chan
se enchufa una chava, chambeando de chafirete, me sobra chupe y pachanga”.
Dentro de esta composición el uso de figuras retóricas para embellecer la letra
se hace presente, dentro de este pequeño fragmento vemos la intención de
aliteración en la letra, pues le da cierta musicalidad en base a la letra “ch”;
sin embargo, una vez más hace uso de palabras un tanto coloquiales para
referirse simbólicamente al universo cultural de los pandilleros y marginados,
es decir, de las subculturas o contraculturas silenciadas en los discursos
oficiales.
Podríamos detenernos a analizar la
composición lírica de cada una de las canciones, pero ese no es el objetivo de
la investigación; como hemos visto ya, cada una de las letras tiene un
trasfondo diferente, pero siempre dependerá de quién las está escuchando para
determinar lo qué intenta relatar.
Es así como dejamos lo mejor para
el final, una de las composiciones musicales que destaca dentro del disco es
sin duda “El baile y el salón”. “Escrita por Emmanuel del Real Díaz y José
Alfredo Rangel Arroyo. Su introducción cuenta con un "Pa-pa-pa-pa eoooo
eooo" que fue visto con el grito de distintivo en las presentaciones de la
banda”. (Heraldo de México, 2021) Muchos de los jóvenes de la época (gente
adulta en la actualidad) aseguran que a través de la letra se narra la historia
de una pareja homosexual que había sido cautivada una de la otra a la hora de
bailar: “Nos besamos bailando en medio del lugar, la música ya iba llegando al
último compás. Miradas en silencio ¿Y quién lo iba pensar? Que después de este
primer baile me iba a enamorar”. Hasta ese entonces sería un escándalo total
una pareja de homosexuales dentro de la sociedad en México, pero es Café Tacvba
quien defendería qué para el amor no hay género y realmente la canción puede
ser interpretada para cualquier tipo de pareja, pero que en efecto la banda
afirmaría que la canción se basó de una relación homosexual que había servido
como inspiración de la letra.
Particularmente en un fragmento de
la canción, la letra se torna un poco confusa tras esta afirmación de la banda,
pues, así como hace uso de sonidos extranjeros fusionados con regionales,
dentro de esta canción hace uso de lenguaje perteneciente a otro idioma: “Y así
bailando quiero que me hagas el amor, De hombre a hombre Voleuz-vous coucher
avec moi”.
Hay quienes afirman que en realidad
ese verso se encuentra en francés como el que le sigue inmediatamente después,
y que en lugar de ser "de hombre a hombre" es "d'ombre à
ombre", algo que en realidad no tiene mucho sentido, pues la traducción de
dicha frase es "de sombra a sombra". (Olivares, 2019)
La canción tiene casi 25 años de
haber estado por primera vez dentro de la radio, y es la banda quien se ha
encargado de aceptar o negar la veracidad de la interpretación de la letra.
Luego de haber analizado algunas de
las composiciones que conforman este álbum; tenemos que tomar en cuenta algunas
consideraciones.
El lenguaje con el paso del tiempo
ha evolucionado, en algunos sentidos se ha transformado, pero sigue cumpliendo
una de sus funciones primordiales: el comunicar. Tal como lo hemos visto, las
canciones del álbum en un sentido literal significan dentro de un cierto grupo
de personas que vivieron en la época de auge del disco e incluso de nuevas
generaciones que se identifican con el mismo. Fuera del ritmo de las canciones
o de esta tendencia de escuchar música “antaña”; las letras son portadoras de
mensajes que hasta nuestros días siguen significando y con un valor no sólo
artístico, sino sociocultural.
Todo esto por el fondo que traen
consigo las letras de las canciones, como lo vimos a lo largo del artículo.
Desde “El aparato” con toques de música regional y que a través de su lírica
narra una historia extraordinaria; hasta “La negrita” en la cual se narra la
historia de una mujer originaria de Veracruz quién migraría a la ciudad de
México para obtener más posibilidades económicas; y es así que con todas las
canciones podríamos obtener una interpretación diferente.
Desde hablar de la cultura de una
ciudad (Madrugal), hasta hablar de los recursos de todos los días de las
personas (El metro); Café Tacvba hace uso de todos los elementos que
caracterizan su país de origen, consiguiendo composiciones únicas que te
invitan a deleitar canciones auténticas para aquellas personas que cuentan de
un buen gusto por la música de este tipo. “Re” no delimita a un grupo de
personas específico, sin embargo, lo que busca con cada una de sus letras es
mantener fresca la realidad que en algún momento de tiempo se vivió, pero que
comparte ciertas características en la actualidad.
Finalmente es importante destacar
que cada una de las letras contenidas en el álbum “Re”, en efecto refleja
aspectos socioculturales que la banda vivió en el contexto en el que surgió.
Después de haber analizado de manera profunda algunas de las letras y de haber
consultado a algunos de los jóvenes de la época, estoy seguro que la lírica
sigue teniendo vigencia hacia nuestros días y que aunque no tengamos
familiaridad con el género o la banda intérprete del álbum, es fácil conseguir
una interpretación de este.
Las letras se centran en la
diversidad de la cultura y reformulan una perspectiva diferente, pero todos los
oyentes deberían conocer los mensajes tópicos inmersos en cada una de ellas y
conseguir un pensamiento crítico no sólo para las letras de este álbum, sino
también para los nuevos géneros musicales.
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RE - Café Tacuba Disco Álbum 1994.
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