Cristóbal de Villalpando entre el Barroco y el Manierismo
Por: Lucía Delcompare Narváez.
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Fuente de imagen: http://artistas-malditos.blogspot.mx |
Aunque Cristóbal de
Villalpando fue uno de los pintores más afamados de la Nueva España, hoy en día
su nombre sólo se escucha entre pequeños círculos dedicados a su estudio. Por
tal motivo vale la pena recordarlo, no sólo por el legado artístico que nos
dejó, sino por la importancia que tuvo en su época para traducir los textos
religiosos en imagen y así lograr una mayor identificación entre el pueblo y la
fe cristiana.
Durante
la colonia, Villalpando se convirtió en uno de los pintores novohispanos más
solicitados por el clero para plasmar la fe cristiana, esto, por su capacidad
para interpretar las ideas teológicas, religiosas y políticas del momento, de
manera que su vida se relacionó tanto con el clero secular como con las órdenes
regulares: jesuitas, franciscanos, carmelitas, oratorianos y dominicos.
Cristóbal
de Villalpando nació en 1669 en la ciudad de México, la lista de sus obras
consta de cuatro etapas, y por lo extenso de éstas se mencionarán algunas de
las más importantes dentro de la ciudad de Puebla: La Virgen de la soledad,
ubicado en el Teatro Principal; La
transfiguración, El diluvio, La
Sagrada Familia, Adán y Eva en el
paraíso y El martirio de santa Catalina en la catedral; Purísima
Concepción en la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla, La mujer del Apocalipsis en el museo
José Luis Bello y González; Jesús y la
Samaritana en la Iglesia Nazareno Tlatempan en Cholula, Puebla; El lavatorio y La Santísima
Trinidad en el Templo del Carmen. Igual de basta es su obra en la ciudad de
México, Estado de México, Guadalajara y Zacatecas.
Para
hablar un poco de su estilo, ubicado en el barroco bajo la influencia de la
pintura española barroca, es primordial tener presente los antecedentes de este
estilo tan característico de nuestra ciudad. Recordemos que desde la Edad Media
hasta finales del siglo XVI en Europa, los temas a representar eran de índole
religioso, elaborados bajo un guión basado en citas bíblicas. En el mundo
novohispano, esta tradición continuó hasta finales del siglo XVIII cuando las
colonias inician sus movimientos de independencia. Justo en el siglo XV inicia
el Renacimiento Italiano, etapa que marca un cambio drástico respecto a la Edad
Media; el Renacimiento camina hacia el humanismo, la ciencia y las artes.
Muchos filósofos consideran que es la “edad de la razón” o la antítesis de la
Edad Media. Gombrich por ejemplo, considera que “el Renacimiento es una época
de progreso artístico que afecta no solo al arte sino a los artistas quienes
ahora se comprometerían con una misión: acrecentar la gloria de la época a
través del progreso del arte”.[1]
Entendida la idea de progreso como el desarrollo máximo de las potencialidades
del artista.
En el Renacimiento empieza la
renovación de las letras y las artes al mismo tiempo que se empieza a vivir un
nuevo aire de libertad en las ciudades italianas, junto con el uso de la
imprenta, se facilita la publicación y difusión de textos literarios, y con ello
avanza un nuevo pensamiento y una nueva transmisión de conocimientos que
alimenta el espíritu. El Renacimiento hereda la tradición mitológica y los
moldes clásicos.
En las artes se retoma a la Grecia
clásica, Aristóteles es fuente de inspiración de poetas y de la emancipación de
las normas medievales. En Florencia (cuna del Renacimiento), surge un término
“poligenesia” que quiere decir retorno a los orígenes arcaicos. Así, el
Renacimiento intentó no sólo el retorno sino reencontrar los textos antiguos. Conforme
el tiempo avanzó, la evolución en las artes y la literatura se hizo evidente;
las formas equilibradas, estructuradas y perfectas del Renacimiento pasaron a
las formas adornadas y exageradas del Barroco y a las deformaciones del
Manierismo.
El Manierismo se distingue por dar a
la literatura un nuevo campo a la formación de la personalidad psicológica:
aguda ansiedad, agitación del espíritu y ambigüedad emocional. Los cambios
apresurados en la vida y en la nueva forma de ver el mundo creaba un sentimiento de inestabilidad de todas las
cosas y una visión angustiosa del hombre y fragilidad de la vida humana, no
obstante, hay un particular gusto por la sorpresa y por lo abrupto. En la
literatura sobresale la prosa en períodos cortos y frases asimétricas con una
carga de sentencias, por el contrario, en la poesía la simetría es rasgo
característico. Los temas presentan un artificio dramático que esconde los
problemas o crisis de los personajes a través de una acción sensacional. Existe
asimismo, el gusto por el contraste, la
paradoja, lo monstruoso, lo ambiguo, la utilización de metáforas raras y un
peculiar preciosismo estilístico, un ejemplo de ello lo podemos ver en Polifemo y Galatea de Góngora.
El auge del Manierismo se da entre
1520 y 1590, es de origen italiano y lleva el nombre de Renacimiento tardío. El
término deriva de maneira (manera) que indica reproducir o imitar un modelo
magistral.[2]
De ahí que algunos críticos e historiadores consideran que el Manierismo
representa la falta de espontaneidad. No obstante, lo que experimenta el
artista, es una búsqueda desenfrenada de identidad, diferenciarse a través del
desarrollo de su personalidad; los artistas escribían o pintaban a la manera de
alguien, esto es, “buscaban un maestro y escribían o pintaban a la manera de
éste, por ejemplo Séneca, Miguel Ángel, Rembrandt, etc., hasta que finalmente
se encontraban a sí mismos. “Se trata, por lo tanto, del estilo de un artista o
bien, un estilo que consiste en ver la mano del artista que amanera la materia,
ya sean palabras, colores o mármol”.[3]
En la plástica por ejemplo, las formas son exageradas y de poca verosimilitud, con
frecuencia no hay efecto de profundidad, las figuras son planas y más bien hay
yuxtaposición de diversos planos sucesivos, amontonados los unos tras los otros
y ligeramente dislocados en el sentido de la altura. No es fácil establecer una
unidad porque la composición está fragmentada, entre las formas sólo hay
correspondencia con el color y la postura. También hay un apego a las formas alargadas,
dislocaciones, distorsiones, tensiones disimetrías, desequilibrios. Eran los
riesgos que tomaban los artistas manieristas: crear algo nuevo e inesperado a
costa de la belleza natural establecida por los grandes maestros, el Greco es
uno de los mayores exponentes del manierismo en Europa.
Años más tarde y siguiendo de frente
al Manierismo, se hace presente el Barroco que significa grotesco[4]
como respuesta a lo frío e intelectualizante del Manierismo, el Barroco
contribuye a lo sensual, sentimental, accesible a la comprensión de “todos.” Es
la reacción de una concepción artística esencialmente popular aunque se
mantenía en la clase culta dominante. Toma en cuenta a las masas populares.
Aquí se marca una diferencia entre arte sagrado y arte profano. El arte
eclesiástico adquiere carácter oficial y pierde sus rasgos espontáneos y su
objetivo está cada vez más determinado por el culto y cada vez menos por la fe
inmediata. El Barroco significa un importante cambio en la relación entre arte
y público. Convence y conquista con un lenguaje escogido y elevado.
A la iglesia por su parte, le
interesa más la expresión de la fe (por medio del arte) que la profundización
de ella, pero en la medida en que mundaniza sus propósitos, se debilita el
sentimiento religioso de los fieles. El espíritu religioso se altera y los
poetas a pesar de mostrar menor simpatía al sentimiento místico-religioso,
alimentan un espíritu más apegado al arte, a la estética y a la belleza[5].
Es posible que ante la rebeldía de
poetas, artistas y filósofos, la iglesia se haya visto obligada a ser más
flexible y tolerante, a ser más abierta a los intereses y alegrías de la vida
profana. Sus fines espirituales están subordinados a los fines del Estado, por
lo tanto, el barroco puede seguir una dirección más libre en el desarrollo de
los sentidos.
Como se mencionó anteriormente la
pintura novohispana continúa la tradición de la pintura barroca española. El
estilo, los colores, los temas y en muchas ocasiones la forma y distribución de
los personajes están establecidos por los grandes maestros del Renacimiento. Cristóbal
de Villalpando sigue la escuela de Zurbarán, Esteban Murillo, José de Ribera
(el Españoleto), Echave Rioja y Pedro Ramírez, pero sobretodo, su estilo aunque
logró una peculiar originalidad de atmósfera, espacio, colorido y
transparencia, quedó impregnado de la escuela de Rubens en sus composiciones dinámicas y sus colores
vivos. Se apoyó en ciertos grabados de la serie de Rubens para el convento de
las Descalzas Reales en Madrid, para no caer en la copia y la falta de
originalidad, Villalpando tuvo que hacer un esfuerzo para encontrar su propia
identidad y en este intento para lograr algo distinto podemos ver rasgos
manieristas tales como rostros deformados que se alejan del modelo de belleza
establecido en el arte clásico y renacentista; rostros con ojeras pronunciadas,
ojos caídos que dan a algunos personajes apariencia de melancolía y tristeza, y
palidez extrema; por otro lado formas vaporosas y exageradas, figuras
fantasmales, sensación atmosférica y lumínica, y expresiones de angustia
propias del estilo manierista.
Villalpando no sólo logra el manejo de las transparencias y
colores centelleantes se convierte en una especie de mago que fácilmente
convierte la palabra en imagen, pues sabe interpretar bien los temas religiosos
a través de una representación de exagerado dramatismo, de ambientes estremecedores,
oscuros, lúgubres y fríos, en contraste con el color y la luz, despierta la
sensación de melancolía y desolación dentro de un ambiente de fuerzas naturales
donde el bien y el mal ponen en juego el destino de los humanos, ambientes que
podemos apreciar en la Transfiguración de
la catedral de Puebla (1683), y en El
Diluvio,[6]
en estas dos obras el artista logra la expresividad del fiero mar y la voz de
dolor interno de los personajes que casi se podrían escuchar; juega
caprichosamente con el espacio, con las formas, los colores y expresa con
libertad y soltura la angustia típica del Manierismo, así, combina
magistralmente lo monstruoso, lo bello y el horror, con la saturación de
figuras en cada lienzo revive el horror al vacío del barroco y el contraste con
lo deformado y fantasmagórico del Manierismo.
Villalpando es el pintor y el poeta de la pintura
novohispana porque logra reunir palabra e imagen, angustia y éxtasis, horror y
belleza, Manierismo y Barroco. Es barroco por su lenguaje pictórico rebuscado,
excesivo, adornado, contrastante. Es manierista por su construcción psicológica
del personaje que despierta espanto, dolor y pánico; porque su lenguaje sensual
e inclemente provoca un deleitoso estremecimiento, porque permite la
coexistencia del ambiente colorido y de luz con el ambiente fúnebre, oscuro y
melancólico, porque ahí convive la belleza y el esperpento, porque finalmente
logra unir lo humano y lo divino.
Bibliogrtafía:
ALONSO,
Dámaso. Poesía española. “Monstruosidad y belleza en el Polifemo de
Góngora”. Editorial Gredos. Madrid, 1993.
DUBIS, Claude-Gilbert. El maniersimo. Ediciones península. Barcelona, 1980.
GOMBRICH, Ernest. Historia del arte. Ed. Debate. Madrid, 1997.
GOMBRICH, Ernest. La concepción renacentista del progreso artístico Ed. Debate.
Madrid,
1997.
GUTIÉRREZ
Haces, Juana y Pedro Ángeles. Cristóbal
de Villalpando. Fomento Cultural
Banamex. México 1997.
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